El placer individual y el dolor creativo: la difícil búsqueda de la incomodidad en la era del exceso
- Estudiante promoción 2025, Gimnasio Campestre
- Investigadora asociada de los Centros de Estudios del Gimnasio Campestre
- Director del Centro de Estudios Sociales, Gimnasio Campestre
Correspondencia para los autores:
adiaz@campestre.edu.co
Recibido: 15 de octubre de 2025
Aceptado: 5 de noviembre de 2025
Table of Contents
RESUMEN
Esta investigación+creación interdisciplinaria explora la incomodidad como catalizador de reflexión crítica en la era del consumismo y la sobreestimulación digital, para ella se diseñaron obras audiovisuales que utilizan la sobrecarga sensorial de manera intencional, para evidenciar las tensiones entre placer y dolor, e individualismo y colectividad. La metodología empleada combinó análisis teórico con experimentación artística, inspirándose en la negación de la modernidad de Latour, la hiperrealidad de Baudrillard, el placer excedente de Lacan y la post-política de Zizek. Lo que nos permitió mostrar que la incomodidad genera un efecto de extrañamiento que impulsa la introspección y el cuestionamiento de la alienación contemporánea. En un contexto de gratificación inmediata, la incomodidad es una herramienta para desestabilizar narrativas establecidas y fomentar una reflexión crítica sobre las contradicciones del capitalismo moderno.
Palabras clave: Incomodidad, Consumismo, Sobreestimulación, Alienación, Investigación+Creación.
ABSTRACT
This interdisciplinary research explores discomfort as a catalyst for critical reflection in the age of consumerism and digital overstimulation. Through an Art-Based Research approach, audiovisual works were designed that use sensory overload to highlight the tensions between pleasure and pain, and individualism and collectivity. The methodology combined theoretical analysis with artistic experimentation, drawing inspiration from Latour’s negation of modernity, Baudrillard’s hyperreality, Lacan’s surplus pleasure, and Zizek’s post-politics. Showing that discomfort generates an effect of estrangement that drives introspection and questioning contemporary alienation. In a context of immediate gratification, discomfort is a tool to destabilize established narratives and foster critical reflection on the contradictions of modern capitalism.
Key Words: Discomfort, Consumerism, Overstimulation, Alienation, Art-Based Research.
La investigación artística y filosófica busca explorar el sentimiento de incomodidad como una herramienta para propiciar la reflexión crítica, con el objetivo de generar cuestionamientos en torno a las contradicciones sociales y personales inherentes a la actualidad.
INTRODUCCIÓN
Vivimos en una época caracterizada por el consumismo desbordado y la sobreestimulación digital, donde el placer y el dolor se entrelazan de manera contradictoria: el placer individual es celebrado colectivamente, mientras que el dolor colectivo se vive en soledad. En el marco histórico de una modernidad fallida, marcada internamente por la alienación del individuo y su búsqueda de sentido en el consumo, y externamente por una tangible crisis ambiental derivada de ese afán de consumir. En conjunto, el internet y las redes sociales exacerban la polarización política, dificultando la resolución de dichos problemas, tanto internos como externos, que enfrenta la humanidad.
Ante este contexto, la presente investigación artística y filosófica busca explorar el sentimiento de incomodidad como una herramienta para propiciar la reflexión crítica, con el objetivo de generar cuestionamientos en torno a las contradicciones sociales y personales inherentes a la actualidad. Entendemos la incomodidad como un medio comunicativo que permite cuestionar los sistemas y valores de nuestra sociedad, analizando fundamentalmente las tensiones entre placer y dolor, e individualismo y colectividad, para evidenciar la alienación generada por el capitalismo moderno.
Esta exploración, realizada a través de obras audiovisuales, busca exponer cómo el consumo desmedido de dopamina y la búsqueda constante de confort perpetúan estas contradicciones. Además, exploramos nuevas formas de expresión artística basadas en la sobreestimulación sensorial, utilizando inteligencia artificial y técnicas de plataformas digitales para conectar con un público diverso y generar impacto.
El sentido del trabajo radica en su capacidad para confrontar al espectador con realidades incómodas, estimulando una introspección sobre la dependencia al consumo inmediato, el individualismo exacerbado y la pérdida de valores comunitarios. Queremos provocar una reflexión que incite a las personas a reconsiderar su lugar en el mundo y a cuestionar las absurdas dinámicas del mundo globalizado actual.
MARCO CONCEPTUAL EL MUNDO AL REVÉS
En su libro Fenomenología del Espíritu (1807), Hegel utiliza el término “die verkehrte Welt”, traducido al español como “el mundo al revés” para describir la locura de la realidad social de su tiempo, un estado de contradicción y paradoja que sólo puede ser resuelto a través de un urgente proceso dialéctico, como única resolución para entender la verdadera naturaleza de la situación. En el tiempo de Hegel visto a través de una rápida y cambiante sociedad del siglo XIX, llena de tensiones políticas y cuestiones filosóficas. Un proceso de lucha entre tesis y antítesis desafiante de los valores subyacentes más importantes de su sociedad; la vieja monarquía contra nuevos ideales individualistas y revolucionarios.
Visto ahora desde este momento histórico, en parte como un proceso cultural, pero también, como un fantasma del pasado que se repite en una necesidad incesante de cuestionar las formas de dominación humana en un mundo lleno de problemas complejos. Un contraste de desesperación, teatralizado detrás de pantallas y simulaciones. Calentamiento global, tensiones sociales, necro capitalismo, radicalización tanto de izquierda como derecha, alza en tazas de suicidios y enfermedades mentales, reducción de la oportunidad de movilidad social, alza en drogadicción, empeoramiento de hábitos alimenticios, disminución de relaciones románticas; ¿por dónde empezar?
Nos encontramos en un espacio ideológico descrito por Ernesto Laclau (2005) como una “cadena de equivalencias”, como ejemplo, las extremas teorías conspiranóicas de derecha sobre el COVID-19 contrastadas con la espiritualidad de la nueva era. La obsesión por el bienestar, las comidas orgánicas y el yoga, conduciendo a una posición violenta en contra de la vacuna como una fuente posible de contaminación. La catástrofe de una falsa visión de la pandemia como una manipulación de aquellos en el poder para mantener su control social y su explotación económica. Así, esta pelea en contra de la vacunación hace claro un síntoma de una lucha mayor, una pelea contra el poder del estado, contra la ciencia, contra las corporaciones, etc. Una mistificación ideológica de la salud y la verdad como una lucha subconsciente y paradójicamente anticapitalista, enmascarada por actividades que no hacen más que propiciar dicho sistema económico.
Importante el referimiento hecho de la pandemia como una catástrofe, verdaderamente lo fue, pero esta palabra no sólo puede ser limitada a la imagen de un terremoto o un tsunami que ideamos en nuestra cabeza cuando la escuchamos, pues así es nuestra visión usual de catástrofe, según Slavoj Zizek, la intrusión brutal de un evento que arruina la ficción simbólica de lo que es la realidad (2022). Pero quizás, tampoco es menos catástrofe cuando la realidad se queda cómo está, y la ficción simbólica que sostiene nuestra manera de afrontar la realidad se derrite ante nuestros ojos. La experiencia del dolor se convierte en placer y la caridad en hipocresía. Para entender esta catástrofe simbólica, quizás hay un psicoanalista del siglo XX que tiene algo que decir.
Es muy difícil entender entonces porque disfrutamos de nuestra opresión, conscientes del desmoronamiento físico y filosófico de nuestra realidad, pero felices de aferrarnos a sistemas que no lo cuestionan. Lo que obtenemos a cambio por nuestra obediencia siendo una perversión del placer en el acto de la renuncia, una ganancia entre medio de la pérdida. Denominado por Lacan (1968), el “placer excedente”. Una paradoja de una cosa que es siempre (y nada más que) un exceso en sí mismo, pues en su estado normal no es nada. No hay un placer básico, el placer siempre es un excedente, un exceso. Café sin cafeína, leche sin lactosa, Coca Cola sin azúcar. La renuncia a un placer físico por la ganancia de un placer ideológico bajo el marco de colaborar a la optimización personal o en opuesto a una gran causa colectiva para ayudar al mundo.
La renuncia del placer da a luz al placer en el acto mismo de renunciar, no existe un placer “normal” o directo, siendo así que cada placer existe enredado en medio de una telaraña simbólica y marcado por un cambio perverso. El proceso bajo el que nace el placer excedente es descrito por Lacan (1968) como “destitución subjetiva”, un movimiento en el que se adquiere distancia de todo aquello sucio dentro de nuestra “persona interna”, sin dejar atrás la imagen de un sujeto vacío y puro. Un sujeto políticamente correcto que explaya sus más incorrectas fantasías en su privacidad, para no demostrar su descontento e imperfección con el mundo exterior. Un proceso bastante abstracto, pero relevante a la experiencia del individuo moderno en la estructura social productiva del capitalismo y la cultura del consumo, donde la identidad se crea a partir de una identificación no solo con el placer del objeto en sí mismo, pero la ideología asociada a él.
Ahora bien, pasando del psicoanálisis a la política, el filósofo Slavoj Zizek clasifica el contexto actual como una llamada postpolítica biopolítica (2022). La post-política, implica que la política tal y como la conocemos ha llegado a su fin. Caracterizándose por la falta de opciones políticas y democráticas significativas, al centrarse en la gestión de los problemas sociales a través de medios técnicos y administrativos, con una compleja red de sistemas económicos, sociales y tecnológicos. Valorando más el trabajo individual y la optimización del individuo antes que aquel de la comunidad. La biopolítica se refiere al uso intrínseco y sutil del poder para gestionar y controlar las vidas y los cuerpos de los individuos y las poblaciones. Con dos objetivos: promover la optimización personal y promover cultura del consumo. Ambas vías para llegar al placer excedente, así, este se convierte en una divisa de control y manipulación, mediante la creación de sistemas y estructuras que proporcionan a los individuos una sensación extra y rápida de dopamina. Según el filósofo Julian de Medeiros (2022), en la actualidad toda acción debe ser alienada de su contenido original solo en sus cualidades negativas, y ser hecho para encajar y ser justificada en la estructura de incentivos de algún otro valor uso. El yo sólo puede conceptualizarse dentro del impulso hacia el placer excedente, aislándonos, y creando un trauma del otro, de la discusión, y de la diferencia. La celebración del placer individualista celebrado colectivamente. La eliminación del concepto de culpa y del concepto de pena en el consumo.
Con este contexto en mente, no carece de importancia hacer una revisión histórica. Tras la revolución industrial y un auge científico, la humanidad pensó que había llegado al punto más alto como civilización, la llamada modernidad. Aquí decidió creer haber alcanzado la manera más justa de gobierno con el capitalismo liberal, y que se había desligado de la naturaleza hasta el punto de ser capaz de controlarla y ser libre de ella. La separación de la cultura de la naturaleza. Pero poco a poco el hombre moderno se dio cuenta de que no era tan racional y quizás sus sociedades eran más frágiles de lo que pensaba. Dos guerras mundiales, varias crisis económicas y múltiples hambrunas alrededor del mundo, se hicieron cargo de recordar que la más pequeña partícula podía causar más destrucción que cualquier arma. En este proceso, según el filósofo Bruno Latour (1993) separamos nuestro mundo en tres campos: los hechos (Naturalismo/Ciencia), el poder (Sociología), y el discurso (Deconstruccionismo). La sociología y el deconstruccionismo se dedicaron a demostrar el sinsentido de un mundo construido sobre relaciones de poder. En conjunto con la ciencia distanciada de la naturaleza que, como una herramienta del ser humano, se creía capaz de actuar sin consecuencias.
Mostrando así, que la modernidad fue un proyecto fallido, pues la humanidad no logró verdaderamente separar a la cultura de la naturaleza.
Dentro de ese fallo, la pérdida de la fe en la ciencia como verdad absoluta y el entendimiento de la sociedad como una red de relaciones de poder, le quitó poder a la idea de una única verdad. Creando así una sociedad definida por la personalización, en donde a falta de una realidad objetiva y optimista, cada uno de nosotros se ha metido dentro de nuestro propio fetiche ideológico. Enajenados del sufrimiento que nuestras acciones del día a día puedan causar en otra parte del mundo.
El problema es que cuando cada uno tiene su propia narrativa de la realidad, es imposible resolver tanto los problemas inminentes qué hay en el mundo, como el trauma psicológico colectivo. “A nivel microsociológico, a la mayoría de los humanos les va mejor que nunca. Sin embargo, hay tanta confusión, sufrimiento y amargo resentimiento. A cuántas personas hermosas y privilegiadas no he oído susurrarme, a altas horas de la noche, que si por ellos, nunca habrían nacido; que están enojados con el mundo; que fueron decepcionados; que viven con culpa y dudas; ¿Que sus amigos y familiares son hipócritas? Estos son signos de la alienación que sufren los seres humanos modernos” (Freinacht, 2017).
Retomando a un análisis de la actualidad, según el filósofo Jean Baudrillard (1981) el mundo contemporáneo se presenta como un simulacro en donde la realidad ha sido reemplazada por imágenes falsas, al punto de que no se puede distinguir entre lo real y lo irreal. Baudrillard denomina esta nueva realidad como hiperrealidad – un mundo en donde la distinción entre la realidad y lo imaginario ha desaparecido, en el momento en que la representación cobra más importancia que el objeto representado. Esto se intensifica con el avance de la tecnología y los medios de comunicación, que pueden crear representaciones cada vez más convincentes y detalladas de la realidad. La hiperrealidad no implica simplemente una imitación de la realidad, sino que va más allá, generando una realidad que es más real que la realidad misma, en el sentido de que las representaciones pueden llegar a ser más significativas y prominentes que los eventos originales. Un mecanismo directamente ligado al placer excedente, bajo la destitución subjetiva de la realidad física, la cual termina imitando de manera perfecta a la realidad virtual. Conectado con la idea del espectáculo de Guy Debord (1967), pues a falta de una realidad segura, la identidad del individuo se define anclada a imágenes con el fin de vender y producir. Con la multiplicación del entretenimiento a través de las redes sociales, la información se establece como una divisa de consumo, y más allá, de identidad ideológica. El objetivo de los medios no es adaptarse a la información, sino al revés. Se tergiversa el significado y el contexto real de la verdad, para ser convertido en un producto y una narrativa que se adapte a los valores productivos y estéticos del sistema capitalista (Postman, 1985).
MARCO REFERENCIAL
La influencia artística de la investigación orbita en torno de la corriente de la meta modernidad. Está propone reconciliar la modernidad y la posmodernidad para fundar unas bases desde donde afrontar la alienación del individuo, y los problemas globales inminentes.
Realismo especulativo
La corriente meta moderna en la que se centrará la investigación es la ontología orientada a los objetos (OOO), pero para poder entenderla, previamente hay que entender el movimiento contemporáneo del que esta nace: el Realismo Especulativo. Este propone que la realidad existe independientemente del pensamiento y percepción humana, y que nuestro entendimiento del mundo siempre es limitado y contingenté. Enfatiza en la importancia de la realidad material y la relación entre humano y no humano. (Herman, N.D)
Ontología orientada a los objetos (OOO)
La OOO es un movimiento filosófico y artístico acotado por el filósofo Graham Herman. Profesor de filosofía del Instituto de Arquitectura de California del Sur, con una gran influencia del filósofo Martín Heidegger.
Su trabajo parte del estudio de la fenomenología de los objetos, y se ha convertido en la influencia de muchos artistas contemporáneos, tales como Eduardo Navarro o Pamela Rose, entre muchos otros. La OOO pone como eje central artístico a los objetos. Poniéndolos como un algo con existencia autónoma e independiente de la representación, juicio u subjetividad humana. (Speer, 2018)
La OOO cuenta con tres bases: en primer lugar, el rechazo del antropocentrismo. En segundo, la crítica del correlacionismo – como el fallo entre la extrema relación que hacemos entre sujeto y objeto, en donde es más fundamental la relación que la existencia. En tercero, el rechazo al overmining, undermining y duomining. En donde los objetos solo existen por sus propiedades (undermining); Los objetos tienen una esencia independiente de sus propiedades (overmining); O en donde los objetos tienen una relación dialéctica y dependiente entre su existencia y sus propiedades (duomining). (Kerr, 2016)
Artísticamente la OOO propone situaciones un tanto absurdas desde el punto de vista humano, en donde se cuestiona cómo los objetos tienen su propia subjetividad y experiencia; más allá de las propiedades y categorizaciones subjetivas dadas por la correlación entre objeto y sujeto, los objetos simplemente existen.
Una obra que ejemplifica este movimiento es “I took a lethal dose of herbs” de Yvette Granata. Una documental hibrido de realidad virtual que utiliza la animación 3D para hablar acerca de la psicosis posparto y el aborto, contado a través de la experiencia alucinatoria de una antigua activista antiaborto. Siendo así este documental parte del realismo especulativo por su estética incómoda, surrealista y artificial.
Imagen 1: Granata, Y. (2023). I took a lethal dose of herbs [Película]. Gamehearts.
Incomodidad y absurdismo
Aparte de dicha corriente artística, el eje transversal del trabajo como fue mencionado anteriormente será la incomodidad, que se utilizará como un catalizador de reflexión. Según el antropólogo Jacques PezeuMassabuau en Filosofía del Discomfort (2012), toda incomodidad puede ser caracterizada como una lucha de dos fuerzas opuestas. Sea desde una incomodidad simple como la física, hasta un punto de vista más complejo, relacionado con la personalidad, los valores, y las creencias.
El uso de la incomodidad como una herramienta artística se puede relacionar al movimiento filosófico y cultural que fue el Absurdismo durante el siglo XX, en respuesta a la falta de sentido y la alienación en el mundo posmoderno, caracterizado por las guerras, la industrialización y el declive de la espiritualidad.
El Absurdismo explora el sentido y el propósito de la vida en un universo carente de sentido y racionalidad, sosteniendo que la existencia humana es fundamentalmente incongruente. En lugar de buscar un significado o propósito inherente como lo propone el Existencialismo, el Absurdismo anima a los individuos a aceptar la ausencia de este y abrazar la libertad de la existencia. Todo por medio del uso del humor, la sátira y la ironía para explorar el absurdo de la vida. La incongruencia de la que parte el absurdo es la inherente búsqueda de sentido que tiene el ser humano que choca con un universo brutal y carente de sentido, que visto de la definición previa de Pezeu-Massabuau, se puede clasificar como una incomodidad.
Como herramienta artística, la importancia de la incomodidad y el absurdo nace en la libertad que esta le otorga al individuo, luchando de frente con la experiencia humana actual caracterizada por la identificación ideológica por medio del consumo. Pues al aceptar la absurda condición de la vida, se es capaz de vivir esta con la mayor pasión, aun sabiendo que esta es falsa. Y aceptar que, si las cosas no tienen una razón de ser, la mayor libertad, es vivir sin una esencia del presente o una esperanza en el futuro. El Absurdismo nos permite entender que, para estar de acuerdo con nuestra propia existencia, hay que estar de acuerdo con la estupidez que la rodea, y quizás así enfrentar de manera más sincera nuestra relación con el placer y el dolor.
Corecore
El CoreCore es otro de los referentes artísticos de la investigación, este es una estética audiovisual nacida en TikTok atribuida a la generación Z, que consiste en un estilo de edición de video que a menudo presenta clips aparentemente aleatorios editados juntos a varias velocidades mientras suena música sombría de fondo. Los temas recurrentes en este tipo de videos suelen ser la tristeza, la depresión, la soledad y la vacía experiencia de la realidad actual. Criticando el anti-intelectualismo de las redes sociales, la aceleración de tendencias, y la pérdida de la humanidad y la empatía en las personas. “A pesar de su nombre, el core core hace de sí mismo una antítesis del género en sí mismo; su contenido puede ser cualquier cosa, y sus creadores pueden usar cualquier medio para conectar una premisa central” (Reynolds, 2023).
MARCO METODOLÓGICO
Investigar y crear son dos actividades distintas, se definen de manera diferente, porque sus búsquedas son opuestas, solamente debemos recordar las enseñanzas escolares sobre lo que es descubrir y lo que es inventar (…) Es una discrepancia temporal, simple y concreta; investigar y crear son acciones contrarias. Particularmente, considero paradójico que intentemos fusionarlas, pero ese es el reto: enjuiciar, debatir, confrontar, acercarse, alejarse, enfrentarse al espejo y argumentar una opinión. (Stalin, 2021, p. 31)
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La presente investigación tiene un enfoque hermenéutico y utiliza el método de investigación+creación. Según Ligia Asprilla (2014), este método integra la práctica artística con la indagación reflexiva, combinando la formación disciplinar, la experiencia pedagógica y el conocimiento crítico. Estableciendo así un diálogo entre lo formal, lo académico, lo artístico y las prácticas de producción, generando obras originales y conocimiento reflexivo enriquecido por referentes conceptuales y teóricos. La investigación es de tipo cualitativo, ya que busca comprender fenómenos relacionados con la práctica artística y sus implicaciones conceptuales y sociales. Su enfoque hermenéutico interpreta y contextualiza los significados emergentes de las prácticas creativas, integrando los procesos creativos, teóricos y metodológicos de manera dinámica y no lineal. Este carácter holístico permite analizar la relación entre los datos y la producción artística, permitiendo la paradoja entre el investigar y el crear posibles.
El diseño de la investigación incluye varias etapas. Primero, se delimita el proyecto a partir de una pregunta orientadora que rompe la dicotomía entre creación artística y documento teórico. Luego, se define el objeto de creación, identificando elementos artísticos y prácticas relevantes, con ajustes metodológicos según el proyecto.
Posteriormente, se hace la experimentación que desde la práctica artística constituye la materia prima del conocimiento generado. Basado en esta experimentación, se desarrolla una memoria autoetnográfica que sistematiza el proceso creativo y recolecta información valiosa; para así lograr una aproximación conceptual que selecciona referentes artísticos que orientan las decisiones formales y conceptuales, culminando en una reflexión que conecta forma y contenido de la propuesta, los resultados de conocimiento y su apropiación. Finalmente, los resultados se difunden mediante exposiciones y formas interpretativas o performáticas, compartiendo tanto la obra original como las conclusiones de la investigación.
Los objetivos de la investigación+creación destacan el proceso de creación como eje central, que trasciende lo meramente creativo al incorporar una reflexión metacognitiva constante. Esto incluye problematizar aspectos de la práctica artística, construir un discurso propio basado en el lenguaje contemporáneo y articular un diálogo claro entre los componentes teóricos y artísticos. Este proceso no lineal fomenta un ciclo continuo que conecta todas las dimensiones de la investigación.
Dicho proceso, de manera orgánica, fue el llevado a cabo para esta investigación+creación, proceso iniciado hace tres años, en el marco del proyecto de jóvenes investigadores, en el cual nos permitimos experimentar, explorar, crear y sistematizar etapas del proceso, para llegar al resultado del actual trabajo de grado. Para la recolección de datos, se emplearon dos estrategias principales. La primera consistió en registrar reflexiones propias a través de una bitácora digital, en la plataforma Miro, documentando aproximaciones teóricas y prácticas, a la par del avance en el proceso creativo, esto se considera parte del desarrollo de la memoria auto-etnográfica. La segunda, incluyó charlas con los espectadores de las obras presentadas, enfocadas en percepciones sobre la incomodidad y la relevancia global del trabajo artístico, permitiendo evaluar la interpretación del discurso y su resonancia con el público, público compuesto principalmente por profesores.
ANÁLISIS DE RESULTADOS EJES DE ANÁLISIS
Para iniciar el análisis, es importante destacar que, debido a la naturaleza de esta investigación, no se buscan resultados definitivos, sino una reflexión sobre el proceso creativo. Como ya se mencionó anteriormente, la investigación+creación llevada a cabo exploró el concepto de incomodidad como un catalizador para la reflexión. Como resultado, se generaron dos obras audiovisuales, diversos textos y múltiples presentaciones en distintos formatos, en las cuales se expuso el desarrollo del proyecto y se recopilaron las reacciones del público ante las obras y exposiciones.
El análisis se estructurará en torno a las dos obras audiovisuales hechas. Se abordará inicialmente una reflexión sobre el proceso creativo, seguida de una revisión en función de los objetivos planteados, finalmente una reflexión en torno a las reacciones del público.
ANÁLISIS
Proceso creativo:
Fenomenología sintética
La primera obra se titula Fenomenología Sintética, un video de 12 minutos y 31 segundos que explora diversas temáticas a través del uso de la sobreestimulación sensorial, referencias a la cultura pop, la integración de inteligencia artificial y la combinación de elementos opuestos para generar tensión y provocar cuestionamientos en el espectador.
Cada una de estas decisiones creativas responde a una intención clara: generar una experiencia de incomodidad que impulse la reflexión crítica del espectador sobre la naturaleza de la realidad, el consumo, la alienación y la contradicción inherente a la experiencia humana.
El video inicia con una estructura de videoensayo, estableciendo un marco filosófico mediante la reflexión sobre la subjetividad de la realidad. Se parte de la icónica afirmación de Descartes, Cogito ergo sum, para cuestionar la seguridad que tenemos sobre nuestra percepción del mundo. Esta introducción prepara al espectador para el desarrollo temático del video, donde se desafían sus certezas y se le sumerge en una experiencia caótica.
El primer quiebre ocurre con la transición hacia una secuencia cinematográfica que yuxtapone imágenes del lanzamiento de la bomba atómica en Hiroshima con La Danza de los Caballeros de Prokofiev, mientras una conversación generada por IA entre Slavoj Žižek y Werner Herzog reflexiona sobre la influencia de la conciencia de la mortalidad en la manera en que vivimos. Esta combinación refuerza una de las tensiones fundamentales de la obra: el choque entre la trivialización del horror en la cultura mediática y la profundidad filosófica de la existencia.
La siguiente sección introduce una voz de inteligencia artificial que parece ser el último ser consciente en el universo, reflexionando sobre la contradicción humana: una especie atrapada entre la violencia y la estupidez, pero también entre la búsqueda de sentido y la creación de belleza. Mientras que visualmente lo que se ven son diversos videos extraños, algunos generados por IA y otros encontrados en internet. Esta parte no solo intensifica la incomodidad del espectador, sino que también lo confronta con la fragilidad de su propia identidad y la artificialidad de sus estructuras de significado, al imaginar como seria la visión de los humanos si fuese relatada por un ente no humano. Yace ahí le premisa del video, la fenomenología (estudio de la experiencia) sintética (no humana).
Una idea directamente ligada a las corrientes del realismo especulativo y la OOO basadas en la experiencia no humana.
Posteriormente, la obra introduce un comercial ficticio con estética de cine mudo que promociona un medicamento capaz de generar orgasmos instantáneos, presentado como una solución para evitar la necesidad de establecer relaciones duraderas. Esta sección se interrumpe con una voz robótica que cuestiona la comercialización de la intimidad, comparándola con productos de consumo masivo como la Coca-Cola.
Inmediatamente después, la narrativa se interrumpe otra vez con una secuencia de comerciales acelerados, intercalados con imágenes de figuras de la cultura pop en estados de soledad y desesperación, así como desastres climáticos. De fondo, suena un fragmento del álbum Everywhere at the End of Time de The Caretaker, una obra que explora la degradación de la memoria y la identidad. La combinación de estos elementos amplifica la sensación de alienación y enfatiza el vacío existencial que emerge del consumismo desbordado y la constante sobrecarga de información. En donde la búsqueda constante de placer nos ha robado las características más humanas de la vida.
El video culmina con una reflexión dividida en dos partes. La primera, mediante un texto sobrepuesto en imágenes del océano, que cuestiona la identidad del espectador dentro de la sociedad de consumo y su reducción a patrones de consumo. La segunda, utilizando imágenes de cachorros jugando y un texto sobrepuesto, propone que la identidad humana debe trascender el consumo y orientarse hacia una búsqueda de sentido, aceptando el absurdo del mundo. La obra cierra con una afirmación que retoma la reflexión en torno al papel del ser humano dentro del mundo superficial y consumista actual: la cuestión no es celebrar el placer individualista colectivamente, sino el dolor colectivo individualmente.
Proceso creativo:
Experimentación Core Core
La segunda obra se titula Experimentación Core Core, con una duración de 2:47.
Esta tiene una temática mucho más concisa, orbitando en torno a la idea del fin del mundo visto no solo en forma de crisis climática, sino también como una crisis económica y de salud mental. Refiriéndose al creciente brote de enfermedades mentales y soledad en las nuevas generaciones. Marcado por una falta de esperanza en el futuro, incertidumbre económica y la adicción a las redes sociales como punto de comparación constante a la vida de los demás. En la obra se ve precisamente a través de imágenes de la cultura pop como podcasts, testimonios de personas en redes sociales, y artículos. El video tiene un ritmo lento, pero a la vez urgente, con un estilo cinematográfico. Se crea la sensación de urgencia a través del uso del sonido de un reloj, y la utilización de la imagen de un eclipse, como recurso narrativo y símbolo del apocalipsis. De fondo durante todo el video suena la canción A Rose Blooms In Chaos, en esta se escucha el sonido de un saxofón que intenta destacar dentro del ruido de una discusión dentro del metro de Nueva York, siendo un recurso que baja el ritmo del video, pero simbólicamente también insinúa la posibilidad de esperanza dentro de la urgencia que experimenta el mundo.
El video termina con una cita popularmente atribuida al escritor Kurt Vonnegut que dice lo siguiente «Pasaremos a la historia como la primera sociedad que no se salvó a sí misma porque no era rentable». (Vonnegut. n.f.)
La reflexión que el video trata de transmitir es que, en una sociedad regida por la comercialidad y la estética, potenciada por el desarrollo del internet y la tecnología, existe una falta de dirección para mirar los problemas actuales. Así estos llegan a un punto desde donde es imposible resolverlos, pues la gente vive en una constante resolución de problemas simplemente tentativos, y el estrés constante de la satisfacción económica. Sin poder concentrase en trabajar juntos y más allá de sus de diferencias de perspectiva para resolver los problemas reales e inminentes como el cambio climático.
REVISIÓN / DIÁLOGO CON LOS OBJETIVOS
Cada decisión estética y narrativa en ambas obras está diseñada para alinearse con los objetivos de la investigación, en el caso de Fenomenología Sintética, esta misma definió los objetivos. La realización de ese video fue la que nos permitió caer en cuenta del potencial de la incomodidad como herramienta comunicativa, haciendo que Experimentación Core Core surgiera como un producto mucho más conciso con lo que se quería transmitir. Una prueba de como la investigación se nutre de la creación.
La incomodidad no es un efecto colateral, sino el eje central del discurso, utilizada como un catalizador para la reflexión crítica sobre las contradicciones inherentes a la experiencia humana. Esta estrategia se alinea directamente con el objetivo de la investigación, de proponer la incomodidad como una vía para cuestionar las tensiones entre placer y dolor, individualismo y colectividad, y así revelar la alienación generada por el capitalismo moderno.
Además, las obras confrontan al espectador con la sobreestimulación visual y sonora, una decisión que refleja la dinámica del consumismo contemporáneo. La constante sucesión de imágenes y la saturación de referencias pop no solo replican el bombardeo mediático diario, sino que también generan una sensación de fatiga y confusión, impulsando una reflexión sobre la forma en que esta sobrecarga afecta nuestra capacidad de crítica y análisis. De esta manera, las obras utilizan la incomodidad para cuestionar las contradicciones del consumismo y la sobreestimulación.
REFLEXIONES
Las obras utilizan la constante estilización que vemos en redes sociales, pero en un sentido exagerado, ejemplificando la idea de catástrofe simbólica de la que habla Zizek. Actualmente, la crisis de una juventud que estiliza su incertidumbre en el futuro y su soledad en contenido multimedia aesthetic, a la vez que grandes corporaciones estilizan las noticias en artículos que se alineen con la corriente política que los financia. Una multitud de perspectivas chocantes, fatalistas, y vacías faltas de una esperanza transversal en la humanidad. La inexistencia de un imaginario colectivo capaz de ver más allá del placer o el dolor de su consumo, individuos que prefieren ir al gimnasio y leer el último libro de autoayuda antes de salir a votar. Crisis extrapolada a un declive climático que bajo los mismos mecanismos según los que opera la estilización (satélites), nos advierte de los efectos de nuestro desbordado consumo, porque incluso si fuera un meteorito el que fuera a caer en la tierra, este no sería tomado en cuenta si su presentador no fuera Leonardo DiCaprio o Brad Pitt.
Un discurso bastante alarmante surge de las obras, pero la respuesta hacia el parece ser más simple de lo que podría parecer. Los videos la sugieren, y las diversas charlas que tuvimos con profesores a los cual les mostramos los videos la refuerzan; las redes sociales y los algoritmos asociados a estas recopilan los patrones de consumo y la ética de las personas y las agrupan de la forma más superficial posible.
Lo que se ve en el mundo digital no es realmente un reflejo de lo que somos como sociedad, sino más bien una perversión creada a partir de la visión más banal de nosotros. Peligrosamente cada vez nos adentramos más en imitar esta versión de la realidad – lo que Baudrillard clasificaba como Hiperrealidad. Imitando estándares imposibles, estereotipos y estéticas que suponen determinar cómo deberíamos vivir nuestra vida, pero que al final no son más que exageraciones que buscan hacernos mejores consumidores.
Vivimos en la época con el mayor acceso a la información, pero paradójicamente también en donde cada persona está cada vez más sesgada a consultar las mismas fuentes que abalan lo que cree. La base para entender los problemas que nos rodean es entender la vida en escala de grises, que el entender la complejidad de los problemas globales empieza por entender la complejidad individual dentro de cada uno de nosotros.
El placer en sí mismo no es complejo, la experiencia humana si lo es, y es imposible entenderla si no se entiende la contraparte de lo que es el placer; el dolor y la incomodidad.
Hemos basado nuestro mundo en una constante idea de crecimiento, tanto personal como económico, y los resultados son evidentemente catastróficos. No hace falta más que un pequeño vistazo a la política internacional, para ver como lo que fue la economía más grande del mundo (Estados Unidos) se convierte lentamente en una oligarquía tecno-feudalista, como lo propone Yanis Varoufakis (2024). O ver como las empresas más grandes de la cultura pop, como Marvel o Disney, cada año sacan más y más productos, cada uno con menos alma que el anterior. O ver como la sociedad es cada vez menos intelectual, en donde debates absurdos como el terraplanismo, cada vez ganan más audiencia de la que pierden.
Para salir de este ciclo de búsqueda incesante de placer y consumo, es fundamental cuestionar las estructuras económicas y filosóficas que lo sustentan. Movimientos como el degrowth (decrecimiento) proponen una alternativa viable al paradigma del crecimiento económico sin límites, abogando por una reducción controlada del consumo y una reorganización de las prioridades sociales en favor de la sostenibilidad y el bienestar colectivo. En términos filosóficos, corrientes como el post-humanismo y el ecocentrismo sugieren que el ser humano debe abandonar su posición de dominancia y reencontrarse con su entorno de manera equilibrada. La clave para romper con esta inercia de consumo radica en una transformación profunda de nuestras nociones de éxito, felicidad y progreso, alejándonos de la acumulación material y acercándonos a un modelo de comunidad y reciprocidad.
La incomodidad es una herramienta para escapar de la superficialidad que propone el paradigma actual, es un recordatorio de la fragilidad de nuestras vidas y el hecho en sí, de que estamos vivos.
DISCUSIONES Y REFLEXIONES FINALES
La investigación exploró la incomodidad como catalizador de reflexión crítica en un contexto de consumismo, alienación y sobreestimación digital. A través de obras audiovisuales y el análisis de reacciones del público, se evidenció que la incomodidad genera tensión, pero también promueve un cuestionamiento activo sobre la realidad contemporánea.
De igual manera, la investigación pretendió abordar el impacto de la alienación en una sociedad de consumo, mostrando que el placer inmediato genera un vacío existencial reflejado en la estetización del sufrimiento y la reducción del ser humano a patrones de comportamiento predecibles. Las obras audiovisuales demostraron que la saturación de estímulos visuales y sonoros provoca introspección y una sensación de extrañamiento ante la realidad.
Desde el punto de vista teórico, el placer excedente de Lacan y la hiperrealidad de Baudrillard fueron esenciales para interpretar las reacciones del público. La sobrecarga de información genera una paradoja en la que el espectador, aunque consciente de su alienación, participa activamente en ella. Asimismo, la post-política y la biopolítica de Zizek se reflejan en los resultados, pues el consumo de imágenes fragmentadas refuerza la alienación y limita la acción colectiva.
Se cumplió el objetivo de proponer la incomodidad como herramienta de reflexión. Los espectadores reportaron una sensación de incomodidad que, lejos de generar rechazo, impulsó cuestionamientos sobre su relación con el placer y el dolor en la sociedad actual. Se contrastaron las tensiones entre individualismo y colectividad, evidenciando cómo la alienación impide la acción comunitaria y refuerza la fragmentación social. Además, se diseñó un discurso crítico a través de la estética del CoreCore, que canaliza la angustia generacional mediante la estilización del colapso emocional y social.
El método de investigación+creación demostró ser esencial para la articulación entre arte y filosofía. La interacción entre producción artística y análisis teórico permitió que las obras evolucionaran orgánicamente, consolidando una perspectiva en la que la incomodidad no solo era objeto de estudio, sino también el medio mismo de reflexión. Esto reafirma que el arte no solo ilustra conceptos filosóficos, sino que los desafía y expande, permitiendo una exploración física de ideas que de otro modo permanecerían en lo abstracto.
El realismo especulativo proporcionó una visión crítica sobre la autonomía de los objetos y su capacidad para existir más allá de la percepción humana. La Ontología Orientada a los Objetos (OOO) contribuyó al análisis al cuestionar la primacía del ser humano en la construcción del significado. La investigación+creación se vio influenciada por la idea de que los objetos, imágenes y
discursos tienen agencia propia y generan significados en función de su interacción con el espectador.
Finalmente, el Absurdismo como referente artístico ofrece una conclusión filosófica: la incomodidad no es solo un malestar, sino una invitación a la lucidez. En un mundo donde la alienación y la estetización del consumo han reducido la experiencia humana a patrones de placer y productividad, el absurdo recuerda que la búsqueda de sentido es una empresa condenada al fracaso, pero también a la belleza. Aceptar la incomodidad, el caos y la falta de respuestas no es una derrota, sino una forma de liberación. Si el mundo es absurdo, la mayor resistencia es vivir con intensidad, crear con pasión y desafiar los límites de lo posible. Así, la incomodidad se convierte en la condición esencial para una existencia auténtica y radicalmente humana.
La investigación concluye que la incomodidad, lejos de ser negativa, es un recurso necesario para la reflexión y el cambio. En una sociedad dominada por la gratificación inmediata y la evasión de lo desagradable, generar malestar en el espectador permite romper con la complacencia del consumo. A futuro, sería relevante ampliar la investigación a audiencias diversas y analizar la aplicación de estos principios en espacios educativos, económicos y políticos, incluyendo movimientos como el degrowth, el ecocentrismo, o el post-humanismo como nuevos canalizadores de debate.
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