Categoría: Investigación en Problemáticas Sociales

Artículo de reflexión

La industrialización del reggaetón como pérdida de un producto cultural

Sebastián Ariza Melo1 Andrés Emilio Mira Olarte2

1. Estudiante 11º Promoción 2022 2. Profesor Red Plasticidad, estética y movimiento Gimnasio Campestre

Correspondencia para los autores: amira@campestre.edu.co

Recibido: 8 de junio de 2022 

Aceptado: 30 de septiembre de 2022

RESUMEN

ABSTRACT

El reggaetón ha cambiado bastante desde su creación a finales del siglo XX y su consolidación dentro de la industria del entretenimiento en 2004. Tras surgir como una expresión cultural en Puerto Rico, ganó popularidad en forma rápida para terminar internacionalizándose. En la actualidad, es de los géneros más escuchados a nivel mundial. Sin embargo, las características modernas del género (tanto musicales como culturales) no son las mismas con las que se planteó inicialmente. El presente artículo analiza las diferencias entre las características del género en sus inicios y el género en la actualidad, para determinar qué factores sociales, culturales, musicales e industriales ocasionaron este cambio, además de qué supone para el mercado actual.

Palabras clave: Industria musical, reggaetón, producto cultural.

Reggaeton has evolved quite a bit since its creation at the end of the 20th century and its consolidation within the entertainment industry in 2004. Emerging as a cultural expression in Puerto Rico, it quickly gained popularity, eventually becoming international. It is currently one of the genres most listened to worldwide. However, the modern characteristics of the genre (both musical and cultural) are not the same it had when it was first created. This article analyzes the differences between the characteristics of the genre in its beginnings and the genre today, in order to determine what social, cultural, musical, and industrial factors caused this change, as well as what it means for the current market.

Keywords: industry culture, reggaeton, cultural product.

El reggaetón surge como una expresión cultural, que lentamente es apropiada, casi en su totalidad, por músicos latinos, para llegar a una cúspide alrededor de los 90’s.

INTRODUCCIÓN

El reggaetón, es uno de los géneros musicales más escuchados a nivel mundial, aparte de ser el primero en escucha en Latinoamérica. Llegó a su apogeo popular en el siglo XXI, debido a la masiva cantidad de artistas que sostienen su creación, producción y reproducción, además de la misma evolución del género para adaptarse a las industrias modernas. La emisora Radio Programas del Perú (2017) reporta cifras que afirman que entre 2014 y 2017, el reggaetón creció 119%, algo exponencial en comparación a otros géneros como el pop, el cual creció únicamente 13% en el mismo tiempo. De igual manera, Spotify reporta que la mayor parte de los exponentes artísticos del género, surgen de Puerto Rico y Colombia, países en donde más se ha mantenido y transformado el reggaetón (RPP, 2017). Sin embargo, mucho se debate acerca de lo que representa el género, qué tanto ha influenciado a la industria cultural y, sobre todo, qué tanto la misma industria lo ha influenciado. En sus inicios, el reggaetón surge como una expresión cultural, que lentamente es apropiada, casi en su totalidad, por músicos latinos, para llegar a una cúspide alrededor de los 90s, con cantantes como Daddy Yankee, o Master Joe. Sin embrago, el reggaetón que suena en la actualidad, se encuentra desplazado casi en su totalidad de tales expresiones, e incluso de sus principales características musicales. Según los expertos en el área, Alejandro Gutiérrez y Don Gatsby, con el paso del tiempo, el género comenzó a mezclarse con el trap, la música electrónica y el pop, entre otros, para convertirse  en una especie de comodín que permite que cualquier artista, sin importar su experiencia o genero de experticia, pueda incursionar en él. Además, agregan que el reggaetón moderno es más comercial, pues como se dijo anteriormente, es el exponente económico mayor de la industria musical. Por ello su proceso de creación radica más en las exigencias de la industria, que en lo que alguna vez lo definió como género. Es por esta pérdida de identidad que se presume un proceso histórico, enfocado principalmente en Latinoamérica, en donde las características del género fueron cambiando, para terminar con su variación moderna. 

Dada la clara transformación del reggaetón a lo largo de su historia y al denotar la pérdida de principales características culturales y musicales latinoamericanas para transformarlo en un producto masivo, se plantea la pregunta: ¿Qué factores sociales, culturales, musicales e industriales, influyeron en el género reggaetón en Latinoamérica (principalmente en Colombia y Puerto Rico), desde su creación hasta la actualidad, que llevaron a que sus características musicales modernas contrasten a gran magnitud con las originales?

MARCO DE REFERENCIA

Características asociadas al género musical. Aproximaciones conceptuales

En primera instancia, es importante definir como concepto el objeto de estudio: un género musical. Por definición, se trata de una manera de categorizar los diferentes tipos de música que existen, con base en sus características. El autor Gérard Denizeau, hace uso de lo que denomina la “terminología elemental” y denota que “…género designa el objeto musical, lo diferencia a oídos del oyente…” (Denizeau, 2002, p.__). La forma, por otro lado, es definida como lo que organiza al objeto musical: lo que le da un orden y coherencia (Denizeau, 2002, p.__). Se trata de elementos envueltos en un mismo espectro y que  sin embargo, se proponen para ser diferenciados dentro de la categorización y análisis musical.

Industria cultural y fenómenos anclados a su funcionamiento

Con el objeto de estudio definido, se debe recurrir a las categorías bajo las cuales este será analizado. En primer lugar, se encuentra la categoría Industria cultural. Al referirse al concepto Kantiano de ilustración e iluminismo, los autores Max Horkheimer y Theodor W. Adorno en su texto Dialéctica de la Ilustración, realizan un análisis crítico de la cultura de las masas, los medios de consumo, medios industriales, el fascismo y el concepto de “razón» dentro del sistema social de la modernidad; cómo las industrias culturales son objetos de dominio y conciben la cultura como producto y a los consumidores como masas, ateniéndose a cambios en su manera de presentarse y en sus mismos productos con el paso de las épocas

Ahora, proveniente del fenómeno de cultura de masas, la industria cultural es definida como “…el uso de técnicas de reproducción que, a su vez, harían inevitable que, en innumerables lugares, las mismas necesidades sean satisfechas con bienes estándares.” (Horkheimer & Adorno, 1947, p.___). La masificación de cualquier tipo de producto es concebida como obligatoria, en este caso para satisfacer a las masas; a partir de ahí la noción de industria (como actividad económica) comienza a ser relevante en todos los ámbitos. Dentro de la generalización de ámbitos los cuales son potencialmente comercializables industrialmente, y dada la definición de Horkheimer y Adorno, claramente se encuentra la música; es un medio cultural  que posee una alta demanda y cuenta con variadas técnicas de reproducción. Al ser así, esta pasa a suprimirse dentro de la industria para simplificarse y hacer más simple su creación y reproducción, aparte de cumplir con la demanda.

Cuanto más sólidas se vuelven las posiciones de la industria cultural, tanto más brutal y sumariamente puede permitirse proceder con las necesidades de los consumidores, producirlas, dirigirlas, disciplinarias, suprimir incluso la diversión: para el proceso cultural no existe aquí límite alguno (Horkheimer & Adorno, 1947).

El principal proceso empleado dentro de la industria cultural se aproxima a una apropiación, donde se toman como base las fórmulas de productos populares con éxito en ámbitos similares y económicos, para así adaptar el producto cultural y transformarlo en un producto estudiado con un relativo éxito económico garantizado. El proceso puede llegar a transformar completamente el producto: limitando, modificando, censurando y/o agregando características, todo a favor de la demanda. 

Caracterización de los asuntos musicales básicos para la composición e interpretación.

La segunda categoría es características musicales. Un producto musical en sí está compuesto por variadas características teóricas y prácticas. Para la investigación, se tomarán en cuenta las características rítmicas, las características de composición y las características interpretativas.

Las características rítmicas se refieren a todo aquello que  tiene relación con el ritmo de la canción: como está organizado, qué pausas tiene y qué tanto varía. El ritmo se refiere a la medida con la que se dice o se hace la música. Con base en ello, se pueden generar diferentes ritmos, llamados “patrones rítmicos”, que pueden ser característicos de un género en específico (Vega, 2022, p. ___). 

Ahora bien, la canción cuenta con una composición a nivel estructural e instrumental. Es decir, que la componen ciertos instrumentos que interpretan partes individuales de la canción, mientras siguen una estructura. Los instrumentos dependen de la composición, pero también del género, pues hay instrumentos característicos de ciertos géneros. Por otro lado, la estructura de una canción es la manera en que sus diferentes partes están ordenadas, dándole coherencia y un hilo conductor. En la música comercial, estas partes tienden a ser: una introducción, estrofa, pre-coro, coro, puente, solo y outro (Bonilla, 2022, p.__) Al conjunto de estos elementos se les llamará características de composición.

Por último, las características interpretativas se refieren a la manera en la que se interpreta una canción. En este caso, se referirá únicamente a la interpretación de la voz en una canción. Esta puede ser melódica, es decir que entona una secuencia de notas musicales  (canta) o no, lo que se asemejaría a simplemente hablar. Este factor, sumado a la frecuencia que emite con su voz (baja, alta, muy alta, etc.) y a la intención con la que el intérprete cante, se le puede asociar como delivery, que varía en cuanto a características con base en el género que se esté interpretando (El Chombo, 2021).

La tercera y última categoría se refiere a la clasificación del intérprete de una canción con base en sus características, a la cual se le referirá como “clasificación producto-artista”, siguiendo las definiciones del músico y creador digital “El chombo”. Un producto es “…una persona que tiene “un look” [la apariencia] de artista […] pero carece totalmente de talento musical” (El Chombo, 2020). En la mayoría de los casos, estos productos están hechos por corporaciones para obtener fama y dinero. En contraste, un artista es “una persona que, aparte de nacer con uno o varios talentos, es obsesiva y disciplinada en su arte” (El Chombo, 2020). El artista si está involucrado en la música que produce e interpreta, no necesariamente hace parte de un sello disquero, ya sea mainstream o independiente. Dentro de la misma línea, una canción puede contener un mensaje que el artista genuinamente quiera transmitir, ya sea social, personal, etc. Por otro lado, puede contener una letra y mensaje genérico, que se enfoque netamente en vender, lo que le convierte en un producto. 

MATERIALES Y MÉTODO

Tipo de investigación

Para el presente trabajo se pretende realizar un análisis musical, social y cultural del objeto de estudio. Para ello, se realizará un análisis referencial donde se tomen en cuenta las características de ciertas canciones de reggaetón, junto a su respectivo contexto, al igual que textos, entrevistas, podcasts y videos de profesionales referentes al tema. La investigación es de tipo cualitativa, pues no requiere de un análisis de datos numéricos o proporciones, más requiere una revisión de datos históricos. La metodología a seguir, se encuentra dividida en cuatro pasos centrales:

Primero, la delimitación de características de diferentes momentos del objeto de estudio. Se escogerán cuatro canciones de reggaetón, cada una de una época del género diferente, y se describirán sus características principales, tanto como canción como producto de entretenimiento. Para denotar las características, se tendrán en cuenta las tres categorías de análisis explicadas en el marco teórico:  Industria cultural, Características musicales y Clasificación producto-artista. Únicamente se tendrá en cuenta el producto auditivo original, además de su respectivo video oficial. Para poder comprender y analizar de manera correcta  las características musicales, se construirán partituras que den una mejor comprensión del ritmo, utilizando el programa “Noteflight”. 

Segundo, se realizará una comparación de características, tanto musicales como culturales. Se pondrán en contraste las canciones, para determinar las principales diferencias entre estas. Tercero, la justificación histórica del cambio en las características. Con los cambios en las características ya identificados, se analizará el trasfondo histórico y cultural para identificar cuáles fueron las causas de estos cambios dentro de la música, contemplando las categorías de análisis. Y cuarto, el contraste de la transformación. En base a lo encontrado, se realiza un breve contraste final entre el género en sus inicios y el género actual. 

Los momentos específicos a usar para analizar el objeto de estudio son: 1997: La canción “Celebrando” de los artistas El Chombo y Aldo Ranks, 2004: La canción “Gasolina” del artista Daddy Yankee, 2013: La canción “Candy” del dúo Plan B, y 2020: La canción “Hawái” del artista Maluma.

ANÁLISIS DE RESULTADOS

La primera canción a analizar es “Celebrando” del artista El Chombo junto a Aldo Ranks. Grabada en 1997, fue lanzada en el disco Cuentos de la cripta 2 de El Chombo. Fue compuesta y producida por El Chombo, y distribuida por la discográfica Oliers Music Inc. (Jurek, 2022). Primero, se denotarán sus características musicales. Con una duración de 1 minuto con 59 segundos, la canción se encuentra en la tonalidad de do mayor, con un pulso de 107. En cuanto a las características rítmicas, se puede apreciar un ritmo movido; sin embargo, no es tan acelerado. Luego de 1 compás de introducción rítmica, el patrón rítmico se vuelve continuo por la duración restante de la canción.  

Figura 6. Célula rítmica de la canciónCelebrando”. 

Como se puede apreciar en la Figura 6, los tiempos 2 y 4 están compuestos de dos corcheas que marcan la mitad de un tiempo, mientras que los tiempos 1 y 3 varían. En cuanto a los 5 samples básicos, el ritmo se acopla a la voz de arriba de “Hot this year” (Figura 2), con cierta variación en el tiempo 3, donde en vez de haber una corchea con puntillo y una semicorchea, hay una corchea y dos semicorcheas. El instrumental “Bam Bam(Figura 4) también se acopla, con la misma variación. Sin embargo, no cuenta con la melodía característica de su célula rítmica.  

Ahora, desde las características de composición,a parte del beat hecho en un beatmaker electrónico, tan solo suenan dos instrumentos más. Primero, un sintetizador con el mismo sonido de la parte melódica del instrumental “Rich girl”, que ocasionalmente marca el tercer y cuarto tiempo. Y segundo, un sintetizador con un sonido electrónico tipo 8-beats, que hace una pequeña melodía en la introducción. Son sonidos crudos sin mayor producción. La estructura de la canción consiste en: introducción – coro – puente – estrofa – coro – puente – outro.

Al contemplar las características interpretativas, el cantante de la canción, Aldo Ranks, realiza en las secciones de coro y puente rapeo semi – melódico, donde se mantiene un tono hablado. En el coro, por otra parte, simplemente realiza rapeo no melódico. El delivery del artista radica en ser agresivo, con tonos bajos, característico de su voz gruesa. Además, no hay ningún tipo de efecto puesto en la voz, por lo que se escucha completamente natural.   

Esto último está directamente legado con la Industria Cultural, pues todavía el reggaetón no era mainstream, por lo que no se encontraba dentro de una industria como tal. La producción y composición fue totalmente libre para El Chombo, sin intervención corporativa. La distribución se daba a través de discos y la radio, por lo que los medios de consumo no llegaban a tener tanto alcance. El disco es panameño y fue compuesto y producido en base a lo que se comenzaba a definir como reggaetón en Puerto Rico. La letra trata de una fiesta en las calles, de una celebración, lo cual se encuentra acorde a la realidad tanto puertorriqueña como panameña, donde estaban en busca de una propia identidad cultural. Cuentos de la cripta 2 fue un éxito total en Panamá y el primer acercamiento internacional del género.  

Por último, se analiza desde la categoría clasificación producto-artista, donde se siguen los mismos lineamientos anteriores, pues al no existir una industria consolidada, el concepto de producto (por lo menos desde el género reggaetón) no existía, por lo que Aldo Ranks y El Chombo sí son categorizados como un artista. 

La tercera canción a analizar es Candy del dúo musical Plan B. Grabada entre 2013 y 2014, fue lanzada en 2014 en el álbum Love & Sex de Plan B. Fue compuesta y producida por Luny Tunes y DJ Duran, y distribuida por las discográficas Pina Records y Sony Music Latin. (AllMusic, 2022) 

En primer lugar, se van a denotar sus características musicales. Con una duración de 3 minutos con 28 segundos, la canción se encuentra en la tonalidad de si menor, siguiendo un pulso de 96.  Con respecto a las características rítmicas, el ritmo principal comienza primero un poco pausado, para después estar muy marcado por el resto de la canción, únicamente pausando en los coros.  

Figura 11. Célula rítmica A de la canción “Candy”.                                                           

Figura 12. Célula rítmica B de la canción “Candy”.                                                 

El patrón rítmico de la canción varía entre dos células principales, como se puede ver en las Figuras 11 y 12. Se puede decir que es una variación de los instrumentales: Hot This Year” (Figura 2) y “Bam bam” (Figura 4) (omitiendo el bajo en este último). En la célula rítmica B, donde se acentual los tiempos 1 y 3, hay menos golpes, lo que genera un ritmo con una sensación más lenta. Este, se acopla completamente al instrumental Ajusimidon (Figura 1), además de a la parte melódica de Rich girl (Figura 3) y la voz de abajo de Pounder (Figura 5).

Contemplando características de composición, resaltan los sonidos utilizados para el beat, pues estos cambian entre diferentes sonidos sintéticos de batería o demás instrumentos de percusión; sin embargo, siempre con un timbre digital. Hay muchos sonidos y efectos en el fondo, que adornan la canción y complementan el beat. De igual manera, hay dos sintetizadores: uno melódico y otro armónico. El melódico hace diferentes melodías a lo largo de la canción que complementan a la voz, mientras que el armónico toca los acordes que componen la pieza. Es notable que se trata de una producción muy elaborada. La estructura de la canción consiste en: introducción – coro – estrofa – coro – estrofa – pre-coro – coro – outro. Cada parte está compuesta de secciones de 4, 8 o 12 compases, a excepción del outro que dura 22 compases.  

Ahora, desde las características interpretativas, el dúo Plan B canta de manera entonada durante la introducción, el pre-coro, el coro, y el outro, mientras que en el resto de las secciones realizan rapeo no melódico. El delivery de los cantantes, si bien es agresivo, puede percibirse como gritón o chillón. La voz cuenta con un notable efecto de corrección melódica, además de filtros de paso alto y bajo, reverberación, distorsión y echo.  

Es claro como este sí se trata de un producto realizado a manos de una corporación, cuando ya existe una industria marcada. Desde el concepto de Industria cultural, se puede decir que se trata de un producto completamente industrializado. El extenso uso de tecnología  se traduce de manera clara en una producción realizada en un estudio especializado, pues son sonidos muy limpios y monótonos. La letra trata del gusto de las mujeres en cuanto a las relaciones sexuales con los hombres, de manera muy explícita. No carga con ningún mensaje social o cultural, más que tratar a la mujer como un objeto. Esto, de la mano de un video oficial donde el enfoque principal son las mujeres semidesnudas y sus movimientos, mientras que los artistas pasan a segundo plano. Aparte, se puede evidenciar demasiada producción detrás del video, pues la calidad es máxima en todos los aspectos, con un concepto central siendo el dulce.

Por último, desde clasificación producto-artista, se puede evidenciar como Plan B tiene una imagen y un estilo de interpretación genérico, siguiendo los estereotipos del reggaetón. Sin que haya mayor participación por parte de los intérpretes dentro del proceso de composición y producción de la canción, Plan B es categorizado como un producto.  

La última canción a analizar es Hawái del artista Maluma. Grabada en 2020, fue lanzada como sencillo para después estar en el álbum Papi Juancho de Maluma. Fue compuesta por Miky La Sensa, Juan Camilo Vargas, Jowan, Andrés Uribe Marín, Bryan Lezcano, Kevin Jimenez, Bull Nene, Kevyn Mauricio Cruz, Edgar Barrera y Maluma; producida por Ily Wonder, Jowan, Keityn y The Rudeboyz; y distribuida por la discográfica Sony Music Latin (Flores, 2020). 

Primero, se denotarán las características musicales de la canción. Esta cuenta con una duración de 3 minutos con 19 segundos, además de estar en la tonalidad de fa sostenido menor, siguiendo un pulso de 90. Desde el lado de las características rítmicas, se puede apreciar un patrón rítmico marcado, y sin embargo, un poco lento.   

Comparación de características

  • Momento 1 – Momento 2
  • Momento 2 – Momento 3
  • Momento 3 – Momento 4

Los patrones rítmicos de las canciones se acoplan directamente a los samples. Los sonidos se siguen sintiendo crudos, casi rítmicos en su totalidad, al igual que la interpretación de los artistas. Se introducen las transiciones rítmicas en los beats.  La producción y composición  todavía viene del artista, con pocas manos externas involucradas. El artista se basa bastante en el rapeo no melódico. Ya sea desde la canción o el video oficial (o ambos), se muestra una realidad ya sea social o cultural. Los videos, si bien siguen siendo producciones pequeñas, suben en la calidad de producción. Además, su enfoque principal es el artista.  Las industrias comienzan a ver el potencial en el género, en cuanto a su popularidad; sin embargo, todavía no influyen en las producciones como tal.

Los patrones rítmicos ya comienzan a ser abstracciones de los samples originales; sin embargo, no lo son en todo momento. Se comienzan a introducir elementos de otros géneros, como el Pop, con sintetizadores realizando melodías complejas. Además, los artistas utilizan la mayor parte del tiempo el rapeo melódico, de la mano de efectos incluidos en su voz.  El uso de tecnología es mucho mayor, pues los sonidos ya se escuchan de manera nítida. La producción del video es bastante grande, con una temática central; sin embargo, el centro del video pasa a ser las mujeres y no el artista. De igual manera, la letra de la canción no toca ninguna realidad social o cultural, y  se limita a tratar a la mujer como un objeto. La imagen de los artistas es casi una copia de la imagen de Yankee en el Momento 2. Es evidente como ya existe una industria formalizada, la cual ignora cualquier intención original del género con tal de vender, justo como lo hace la canción.  

Los patrones rítmicos ya comienzan a variar bastante de los samples; si bien no en todo momento, hay secciones especificas con ritmos que se asemejan más a un patrón de trap (subdivisión de los patrones rítmicos del Hi hat y el bombo y redoblante no tiene síncopa es más straight) que a uno de reggaetón, además de no incluir ningún tipo de transición rítmica. Se utilizan sonidos electrónicos, con sintetizadores análogos y digitales que siguen un estilo tanto melódico como armónico más semejante al Pop que al reggaetón. De igual manera, el artista canta durante toda la canción, ignorando el rapeo. La composición y producción de la canción es masiva, contando con muchas manos externas involucradas. El video oficial cuenta una historia, y junto a la canción habla de temas personales; sin embargo, no hay intención social o cultural detrás. Además, el centro del video vuelve a ser el artista. Sin embargo, pierde el foco en el momento que aparece una mujer mostrando su cuerpo. Es un producto industrial, que utiliza características de la música moderna con la intención de vender. La imagen del artista es muy similar a la de Yankee o Plan B, sintiéndose muy genérica.  

Justificación histórica

Al contemplar el transcurso histórico del reggaetón que se denotó en el marco teórico, se puede obtener una justificación para los cambios dentro del género. En primer lugar, la canción panameña Celebrando apropia todas las características de lo que se gestaba como reggaetón en Puerto Rico en 1997. Por lo tanto, sigue los lineamientos de una canción del género de la época. Todavía no se habían establecido por completo los parámetros del género, por lo  que ningún tipo de industria ya sea del entretenimiento o de la música, había tomado en cuenta la canción como algo comercializable.  

Como se ha repetido en variadas ocasiones, la canción Gasolina fue la primera a la que se le refirió como una canción del género reggaetón. Por lo tanto, las características musicales que la canción incluía fueron tomadas como lineamiento para las siguientes canciones del género. De igual manera, la imagen de Daddy Yankee y su delivery también se convirtieron en la regla para la mayoría de artistas.  En los años posteriores, el reggaetón fue popularizándose cada vez más, por lo que las industrias comenzaron a contemplar el género como una oportunidad económica. Con base en ello, se crearon estudios a lo largo de todo Colombia, Puerto Rico y demás países latinoamericanos que se especializaban en la creación del género. A finales de la década de 2000 y principios de la década de 2010, las industrias comenzaron a estar muy presentes dentro del proceso tanto creativo como distributivo de la canción. Sin embargo, esto llevó a que replicaran la misma fórmula de Yankee durante casi 10 años.

De igual manera, la apropiación de la industria fue netamente comercial, y si bien se concentraron en replicar la imagen de los artistas, los ritmos y estilos de canción, no contemplaron el mensaje social que caracterizó al género en su gestación. Cada vez menos artistas se disponen a contemplar esta característica e incluir algún tipo de mensaje, y son pocos los que no terminan dejándolos atrás durante su paso por la industria. La era digital facilitó el proceso de creación de las canciones, pues con la facilidad de obtener controladores e interfaces que cada vez podían hacer más, además de lo simple que es realizar un beat del género, cualquier persona con un computador y una interfaz podía crear una canción. Plataformas como YouTube o Soundcloud también facilitaron el proceso de distribución de la canción, pues ya no era necesaria una disquera. Además, Spotify comenzó a reemplazar los discos, por lo que los ingresos comenzaron a provenir de plataformas digitales y menos de medios físicos.

“Es un género que ya creó cultura, y eso es lo más difícil que un género tiene por lograr, crear cultura a los países donde llegue”

CONCLUSIÓN

Tal como lo plantean Adorno y Horkheimer, aquello que inicialmente surgió como una manera de expresión y un elemento social, que, incorporándose en un comienzo a la cultura puertorriqueña, que después se volvió parte de la cultura latina, es concebido como producto por la industria del entretenimiento. A partir de allí, es modificado y adaptado para satisfacer a las masas; es decir, para vender.  

Bajo el análisis realizado, es claro cómo este proceso de adaptación significó un cambio a nivel estructural dentro del género, pues el contraste realizado entre el reggaetón en sus inicios y el reggaetón moderno (2020 – actualidad) demuestra que el género actual es bastante diferente a como lo era en su concepción. 

Es claro como la aparición del género significó un antes y un después para la cultura latina, ya que unió a la raza latina al igual que lo hizo la salsa en la década de los 70. Para Puerto Rico (y posteriormente para Latinoamérica), el reggaetón significó lo mismo que el rock para los jóvenes estadunidenses en los 50s: el blues para la cultura afroamericana; el reggae para la sociedad jamaiquina en los 60s; un medio de expresión, un lenguaje social para transmitir su realidad y su contexto. Ese mensaje supo llegar a diferentes culturas: Colombia, República Dominicana, Panamá, etc. “Es un género que ya creó cultura, y eso es lo más difícil que un género tiene por lograr, crear cultura a los países donde llegue” (Ronald el Killa, 2018, p.___) Los mensajes eran variados: desde artistas como Tego Calderón que defendía a la raza negra y la identidad puertorriqueña, hasta artistas como Ivy Queen que hablan del empoderamiento femenino y defienden el feminismo.  

Ese recorrido cultural implicó de alguna manera que la industria de cada país se apropiara del género. “El género ha pasado por varias etapas, y cada país, cada nacionalidad, le ha aportado al género algo” (DJ Pope, 2018). Con el paso del tiempo, cada país fue adaptando el género a su manera, pues si bien las realidades sociales son similares, cuentan con trasfondos totalmente diferentes, lo que resulta en que cada “variación” del género comenzara a distanciarse: tanto en cuanto a forma musical, como en mensaje. “La música es un reflejo de la cultura, no al revés” (El Chombo, 2021). 

El género comenzó a ser más relevante y llegó llegando a sobrepasar géneros ya establecidos como representativos de ciertos países, como lo es la cumbia en Colombia. A gran escala, como toda la sociedad latina escuchaba el mismo género, se comenzó a categorizar el reggaetón como el género latino. “El género urbano es la música latina de hoy” (Karol G, 2018). Sin embargo, esta categorización, de la mano de la industrialización, resultó en que el género abandonara la necesidad de representar las realidades sociales individuales, aparte de que la extensa cantidad de canciones comenzara a sonar monótona.  

La mencionada industrialización es otro factor importante para el cambio, pues desde el momento en que se comenzó a contemplar al género como una oportunidad económica, este pasó a ser más relevante dentro de la industria del entretenimiento que dentro de la industria de la música. “Ese ritmo le trajo una oportunidad a la industria del entretenimiento” (Alex El KB, 2018). Con el único objetivo de vender, se ignoraron los mensajes sociales, cambiándolos por letras que apelen al público demográfico, es decir, los jóvenes. Estas generalmente radican en hablar de mujeres, sexo, alcohol y fiesta; por ello se señala el reggaetón moderno de tener letras obscenas, explícitas e incluso machistas. Claramente existen excepciones, como lo es Karol G con su mensaje de empoderamiento o Calle 13 que canta acerca de la pobreza y la violencia; sin embargo, no son más que excepciones dentro de una inmensa regla. 

Por otro lado, el inmenso avance tecnológico que trajo la era digital facilitó el proceso de creación de las canciones, y aún más el de distribución. Un simple computador tiene la capacidad de hacer lo que se hacía hace 30 años en un estudio profesional. Eso, sumado a la simpleza que requiere componer una canción del género, llevó a que cualquiera pudiera incursionar en él. Además, los nuevos medios de consumo como lo son las plataformas digitales permitieron que se pudiera comercializar la música sin la necesidad de una disquera o productora, cosa que pasó a ser algo común dentro de la industria.

Con base en lo anterior, surgieron miles de artistas que tienen ante todo la intención de obtener ganancias, más que lanzar productos de calidad. De igual manera, la digitalización permitió el acceso a estadísticas, por lo que se comenzaron a hacer estudios de mercado para saber qué vende y qué no, y así adaptar al producto para garantizar un éxito. Lo que se definió como la categoría clasificación “producto-artista” denota una estrategia corporativa para vender un producto a través de una imagen que apela a las masas. Las marcas aprovechan el éxito de estos “artistas” para capitalizar aún más sobre estos, como sucede por ejemplo, con la marca de ropa “Guess” de J Balvin. “Este negocio es grande, y va más allá de lo musical” (Luisa Guevara, 2018). Ya no se vende únicamente música, sino un estilo.

Estas “adaptaciones” se traducen en cambios desde el ámbito musical para el género. El reggaetón moderno se asemeja mucho más al pop que a lo que fue el reggaetón en sus inicios. Elementos característicos como los sonidos crudos o el rapeo no melódico se están dejando atrás cada vez más, con muy pocas excepciones en la actualidad.  El patrón rítmico parece ser la única característica original que permanece casi intacta; sin embargo, este también ha sido modificado, asemejándose más al trap o a la música electrónica. Actualmente se utilizan variaciones de lo que fue el “tumpa tumpa”; sin embargo, cada vez varían más de los instrumentales originales.  

El pop, más que un género, se convirtió en un elemento de comercialización que se apropia de cualquier elemento cultural para hacerlo más comercializable y rentable. Tal como sucedió con el reggaetón, gracias a la industria cultural, le podría suceder a un número importante de productos musicales o culturales en el futuro, lo que denota que se trata de una problemática dentro de la industria del entretenimiento y la industria musical. Miles de artistas que han intentado mantener las características originales han sido censurados o víctimas del proceso de industrialización, cambiando sus ideas e ideales por un éxito comercial, convirtiéndose así en productos. “Los artistas se enfocaron más en comercializar su música, en que vendieran más, como que se les olvido un poquitico lo que es la esencia del reggaetón” (Rome, 2020). 

Actualmente, dentro de la comunidad musical hay un debate acerca de si se debiera considerar el reggaetón actual como reggaetón de verdad, debido a lo mucho que difiere de sus características originales. Pioneros en el género como los productores Urba y Rome o El Chombo presumen que el género como tal está completamente perdido. “Ahora lo que se está haciendo, es un reggaetón pop, no es un reggaetón puro, de la mata” (Rome, 2020)  

Un argumento a favor del reggaetón es que la base rítmica sigue estando presente, incluso si esta se encuentra modificada, pues a larga escala es el factor más importante del género. Sin embargo, existen miles de canciones de otros géneros que también utilizan este patrón rítmico, como lo es Sorry (2015) de Justin Biber o I know you want me (2013) de Pitbull, que pese a utilizar un patrón rítmico “tumpa tumpa” el cual se acopla al instrumental “Hot This Year” (Figura 2), siguen siendo pop y música tropical respectivamente.

Las corporaciones manejan el mercado, lo que impide la mantenencia de cualquier tipo de producto que intente hacer algo más que vender. La industria cultural nunca dejará el objetivo de satisfacer a las masas, pues a fin de cuentas “…la música es un negocio, […] reacciona a lo que le da dinero” (El Chombo, 2021) . La evolución del reggaetón fue una evolución comercial, donde con base de prueba y error, se fue modificando el género para terminar con el producto más rentable posible. Ese producto, es el reggaetón moderno. Ningún aspecto es coincidencia, pues está ahí porque apela a las masas, a la población a la que va dirigida el producto. Aspectos conflictivos como las letras obscenas son en realidad beneficiosos: “…las (canciones) más atorrantes (obscenas) […] son las que más se pegan dentro de un rango de edad; que casualmente es el rango de edad que forma la mayor parte de la población consumidora de música en plataformas digitales” (El Chombo, 2021). De lo contrario, la industria ya se habría desecho de estos.  

El momento en el que cualquier producto musical se vuelve mainstream, pasa a ser apropiado por la industria del entretenimiento, en algunos casos destruyendo las intenciones y el trasfondo cultural del producto. El reggaetón fue y es víctima de la industria cultural, la cual despareció por completo las bases de un género para convertirlo simplemente en un producto comercial. 

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